Pse portretet na kanë magjepsur për mijëvjeçarë?

Nga kohët e lashta e deri më sot, portreti na ka treguar të vërteta themelore për njerëzimin dhe identitetin, pavarësisht nga tema. Cath Pound eksploron shembujt më të fuqishëm të zhanrit.

Portreti ka një vend unik në historinë e artit. Duke parë se kush u portretizua dhe si, ne jemi në gjendje të fitojmë njohuri mbi historinë sociale, kulturore dhe politike që asnjë lloj tjetër pikture nuk mund të ofrojë. Fakti që ofron një mundësi për t’u lidhur me individë që ishin, ose janë, qenie njerëzore të gjalla si ne, gjithashtu e bën atë një nga më të arritshëm dhe më të njohurit; është i vetmi zhanër me galeritë e veta të dedikuara dhe ka ofruar frymëzim për ekspozita të panumërta madhore.

“Portreti qëndron i ndarë nga zhanret e tjera të artit pasi shënon kryqëzimin midis portretit, biografisë dhe historisë. Ato janë më shumë se vepra arti; kur njerëzit shikojnë portrete, ata mendojnë se po takojnë atë person,” thotë Alison Smith, kryekuratorja në Galeria Kombëtare e Portreteve në Londër.

Origjina e zhanrit mund të gjurmohet në kohët e lashta, kur ai shërbente një sërë funksionesh, nga lartësimi i atyre që ishin në pushtet deri te kujtimi i të vdekurve. Shekujt 1 dhe 2 pas Krishtit panë që zona Fayum e Egjiptit Romak të prodhonte portrete çuditërisht natyraliste që shfaqeshin në kutitë e mumjeve. Mendohet se ata mund të jenë varur në shtëpitë e njerëzve gjatë jetës së tyre dhe pas vdekjes janë vendosur mbi kokën e mumjes së tyre për të ndihmuar udhëtimin e tyre për në jetën e përtejme. Në Romën e lashtë, skulptura e portretit përdorej për të përkujtuar të vdekurit ose për të festuar arritjet e të gjallëve. Në të dyja rastet, vëmendjen e tërhoqi prejardhja e personit, e cila kishte një rëndësi të madhe në shoqërinë romake. Portretet perandorake ishin një mjet i vlefshëm për propagandë. Të vendosura në tempujt e kultit perandorak, ato ishin krijuar për të frymëzuar frikë dhe nënshtrim.

Edhe pse pak shembuj të portreteve kanë mbijetuar nga Mesjeta, ato që kanë shërbyer për qëllime të ngjashme me ato të kohës klasike. Mozaikët mahnitës me përmasa reale të perandorit Justinian dhe perandoreshës Theodora në kishën e San Vitale në Ravenna – të cilat datojnë nga shekulli i 6-të – janë një demonstrim veçanërisht spektakolar i fuqisë.

Portretet përkujtojnë, festojnë dhe na tregojnë se kush ishim – dhe kush jemi tani.

Portrete të pavarura të atyre në rangun e mesëm të shoqërisë nuk u shfaqën deri në shekullin e 15-të me Martesën e Arnolfinëve të Jan van Ejkut nga viti 1434 që ishte një nga më të njohurit. Një nga portretet e para të dyfishta në historinë e artit, fytyrat e gjalla të çiftit të kombinuara me simbolikën misterioze të fshehur brenda pikturës e bëjnë atë pafundësisht të popullarizuar nga vizitorët në Galerinë Kombëtare të Londrës.

Ishte gjatë Rilindjes që portreti me të vërtetë erdhi në vetvete. Kjo është menduar shpesh të jetë rezultat i një ndjenje në rritje të individualitetit të nxitur nga një interes në rritje për humanizmin, por Matthias Ubl, kurator i ekspozitës së fundit “Më kujto” të Rijksmuseum , paralajmëron kundër këtij këndvështrimi tepër të thjeshtuar. “Kishte shumë faktorë që ndihmuan portretin të lulëzonte në atë kohë,” i tha Ubl BBC Culture. “Ishte një periudhë inovacioni dhe nxitjeje të gjërave. Humanizmi u bë shumë i rëndësishëm, kështu që edhe vetvetja bëri në një farë mënyre, por kjo nuk ishte gjithçka. Rritja e qyteteve pa ngritjen e një elite tregtare që donte të pasqyronte fisnikërinë me duke pikturuar portretin e tyre”.

Dhe ndërsa këta biznesmenë të porsapasur ishin të prirur të tregonin suksesin e tyre, kishte disa pritshmëri që duheshin respektuar për hir të drejtësisë. “Ju keni ende Kishën, keni gjithashtu rregullore esnafi dhe ata duhet t’i përmbahen asaj që shoqëria priste prej tyre, qoftë kjo të qenit një grua e virtytshme apo një tregtar i mirë,” thotë Ubl.

Këta tregtarë të mirë mund të shihen në Portretin e Georg Gisze të Hans Holbein dhe Portretin e Jan Jacobsz Snoeck të Jan Gossart. Ashtu si shumica e tregtarëve të epokës, ata ka të ngjarë të kenë tregtuar në një gamë të larmishme mallrash. Megjithatë, çdo aludim për këtë mall bie në sy nga mungesa e tij, ndoshta sepse ishte shumë i lidhur ngushtë me punën krahu. Në vend të kësaj ata zgjodhën të shfaqeshin të veshur bujarisht dhe të rrethuar nga letra, dokumente dhe materiale shkrimi. Ishte statusi dhe pasuria që ata donin të theksonin.

Edhe pse statusi dhe pasuria e grave ishin po aq të dukshme në veshjet e bukura dhe stolitë që mbanin në portretet e tyre, ishte bukuria dhe virtyti i tyre që pritshmëritë patriarkale i detyruan të theksonin, e para shpesh duke u menduar si një manifestim fizik i të dytës. Edhe dikush aq i fuqishëm sa Mbretëresha Elizabeth I e dinte se autoriteti i saj qëndronte jo pak në imazhin e saj si “Mbretëresha e Virgjër”, e martuar me Anglinë. Në Portretin e Armadës nga një artist i panjohur (aktualisht i ekspozuar në Shtëpinë e Mbretëreshës, Londër) e cila u pikturua për të festuar humbjen e marinës pushtuese spanjolle, dora e saj qëndron e sigurt në një glob. Trupi i saj është i veshur me perla, një emblemë e virgjërisë e rritur në det. Përjashtime të dukshme nga ai rregull ishin autoportretet nga artistet femra si Autoportreti i Catharina van Hemessen në kavalet nga viti 1548 , në të cilin ajo portretizon veten duke punuar në zanatin e saj. “Portreti i saj është më i hershmi që njohim duke treguar një artiste që pikturon në një kavalet. Është interesante që ishte një artiste femër kur ato ishin kaq të rralla,” vëren Ubl.

Rëndësia në rritje e portretit u forcua në shekullin e 17-të, kur Akademia Mbretërore Franceze krijoi një hierarki zhanresh dhe e vendosi atë të dytën vetëm pas pikturës së historisë. Supozimi ishte se do të dokumentonte të madhin dhe të mirën, dhe kështu do të shërbente si një shoqërues për më të lartën nga të gjitha zhanret. Ky rol i sapocaktuar për portret ishte prapa formimit të galerive më të hershme të portreteve, si Galeria e Personazheve të Ilustruara e Charles Willson Peale, e cila u hap në Filadelfia në vitet 1770, dhe paraqiste shumë figura që kishin nënshkruar Deklaratën e Pavarësisë. Galeria Kombëtare e Portreteve të Mbretërisë së Bashkuar pasoi në 1856 me punën e parë që hyri në koleksion ishte një portret i William Shakespeare.

Megjithëse këto galeri grumbullonin vetëm portrete të atyre që ata i konsideronin të shquar, me të gjitha paragjykimet klasore, seksi dhe racore që përfshinte në mënyrë të pashmangshme, jashtë mureve të tyre zhanri po bëhej gjithnjë e më i larmishëm. Me përparimin e shekullit të 19-të, portreti u lidh gjithnjë e më shumë me borgjezinë në rritje. Kotësia e perceptuar e tyre u tall nga shumë shkrimtarë dhe kritikë, por rritja e kësaj forme portreti ishte tregues i ndryshimeve të mëdha shoqërore dhe politike që përfshinin Evropën Perëndimore, të cilat panë që klasat e mesme të fitonin më shumë pushtet dhe ndikim ndërsa monarkët u detyruan t’i përkuleshin autoriteti i parlamenteve. Ardhja e fotografisë ishte një faktor i rëndësishëm në demokratizimin e atyre që mund të portretizoheshin, por gjithashtu po ndryshonin pikëpamjet për rolet e individëve në shoqëri.

Një pjesë e rëndësishme e shprehjes artistike ka qenë sigurisht edhe autoportreti. Autoportreti ikonë i Van Gogh me vesh të fashuar, i pikturuar pasi ai preu një pjesë të veshit pas një debati me Gauguin, është një demonstrim i fuqishëm i vendosmërisë së tij për të vazhduar të pikturojë pavarësisht nga trauma. Ajo zë në qendër të vëmendjes ekspozitën aktuale të Cíourtauld të autoportreteve të tij.

‘Bashkësia e qenieve njerëzore’

Paula Modersohn-Becker, kohët e fundit subjekt i një retrospektive të madhe në Schirn Kunsthalle në Frankfurt, gjithashtu e bëri veten objekt të portreteve të saj, së bashku me gratë, fëmijët dhe fshatarësinë vendase. Të ndikuar nga portretet e mumjes Fayum që ajo zbuloi në Paris rreth vitit 1905, portretet e saj kanë një intensitet psikologjik të rrallë në përshkrimet e grave në atë kohë. Megjithëse zgjedhja e saj e modeleve ishte të paktën pjesërisht për shkak të komoditetit, ajo megjithatë i trajton subjektet më modeste me dinjitetin më të madh. “Ata ishin më të varfërit në shoqëri dhe ajo u dha atyre një atmosferë të përjetësisë, pothuajse shenjtërie,” thotë kuratorja Ingrid Pfeiffer.

Dashuria pothuajse panteiste e Modersohn-Becker për natyrën është e dukshme gjatë gjithë punës së saj, duke përfshirë në pikturën e saj më të famshme Autoportreti në përvjetorin e Gjashtë të Dasmës, pikturuar në vitin 1906, ku ajo shfaqet nudo nga mesi lart. Edhe pse duket se është shtatzënë, ajo nuk ishte. “Barku i saj është një simbol i pjellorisë, si njerëzore ashtu edhe artistike”, thotë Pfeifer. Modersohn-Becker ishte shumë i vetëdijshëm për talentin e saj, por në të njëjtën kohë e dinte se lënda e saj nënkuptonte se puna nuk mund të ekspozohej kurrë. “Askush nuk e pa atë gjatë jetës së saj, madje as (burri i saj) Otto. Ajo e dinte se po pikturonte diçka krejtësisht tabu,” thotë Pfeiffer.

Ashtu si Modersohn-Becker, artistja e shekullit të 20-të Alice Neel nuk kishte frikë të sfidonte kongresin. Duke refuzuar ekspresionizmin abstrakt që dominonte botën e artit në atë kohë, ajo e pa portretin si një mënyrë për të krijuar një histori vizuale të epokës së saj. E tërhequr instinktivisht nga ata që ishin në margjinat e shoqërisë, ajo ishte në gjendje të kritikonte rrethanat në të cilat ata gjendeshin duke i portretizuar ende me dinjitet. “Për të është një mënyrë për të ndryshuar shoqërinë,” thotë Lucía Agirre, e cila kuroi ekspozitën e fundit të portreteve të Neel në Guggenheim në Bilbao .

“Ajo kishte një ndjeshmëri të veçantë me simpatizantët e saj. Zakonisht ajo zgjidhte njerëz që i pëlqenin shumë, fëmijë në rrugë apo aktivistë apo miq të saj që ishin shkrimtarë komunistë. Për të këta njerëz kanë diçka për të thënë,” shpjegon Agirre. Neel kishte një prirje të veçantë për betejat emocionale dhe fizike të grave, veçanërisht grave të privuara si ajo vetë, dhe nuk u shmang nga temat që ishin tabu, duke përfshirë abuzimin në familje të fqinjës së saj Peggy. “Në vitin 1949 ajo bëri këtë portret të bukur të Peggy-t, dhe i sheh shenjat në fytyrën e saj, por në të njëjtën kohë ajo i jep dinjitetin e saj. Në atë kohë ishte diçka për të cilën thjesht nuk fole”, thotë Agirre.

Megjithëse Neel nuk fitoi njohje për portretet e saj novator deri relativisht vonë në karrierën e saj, natyra e tyre dokumentare dhe demokratike zbulon rëndësinë e vazhdueshme të portretit, si dhe funksionet e shumta që mund të shërbejnë portretet. Ata përkujtojnë, festojnë dhe na tregojnë se kush ishim – dhe kush jemi tani.

“Ndërsa në të kaluarën ishte me të vërtetë një shenjë e gradës, statusit ose personazhit të famshëm, mendoj se tani portreti ka të bëjë më shumë me identitetin” – Alison Smith

Praktikat e së shkuarës së grumbullimit të kombinuara me faktin se shumë figura të shquara nuk patën kurrë mundësinë për t’u pikturuar ose fotografuar do të thotë se galeritë e portreteve nuk mund të shpresojnë kurrë të jenë plotësisht përfaqësuese të së kaluarës së një kombi, por sa më shumë që i afrohemi të tashmes, aq më gjithëpërfshirës është përfaqësimi. bëhet. “Kriteret tona për pranimet janë shumë më të gjera tani. Ajo shkon përtej figurave politike, fetare dhe ligjore. Është më demokratike dhe sot ne festojmë forma të ndryshme arritjesh,” thotë Smith. Dhe disa paragjykime historike mund të adresohen.

Mungesa e përfaqësimit të grave është diçka që Galeria Kombëtare e Portreteve po kërkon të trajtojë ndërsa është e mbyllur për rinovim. Po bëhen kërkime për gratë tashmë në koleksion dhe do të bëhen blerje të reja. Me një gamë kaq të gjerë portretesh për t’u vizatuar – ka 12,000 në koleksionin parësor, por koleksioni i referencës është rreth 400,000 – të kërkosh të zgjedhësh pikat kryesore është një detyrë praktikisht e pamundur. Por, kur u kërkohet ta bëjë këtë, zgjedhjet e Smith theksojnë natyrën unike të portretit dhe arsyet e mbajtjes së tij të qëndrueshme në imagjinatën e publikut. Vizatimi i Hans Holbein i Henry VII dhe Henry VIII, një studim përgatitor për një pikturë të humbur tani, dhe Portreti Ditchley i Elizabeth I, na transporton në orbitën e disa prej monarkëve më të famshëm në historinë britanike. Ato janë gjithashtu vepra madhështore të artit më vete.

Portreti i William Shakespeare dhe ai i motrave Brontë nga vëllai i tyre Branwell, të cilin edhe Smith e zgjedh, nuk janë. Megjithatë, ata janë ndër më të pëlqyerit nga publiku, thjesht sepse ofrojnë një mjet lidhjeje me figura kaq të dashura letrare. Vetëportreti i Laura Knight me model është zgjedhur pasi është “një vepër vërtet kyçe për historinë e grave në art”, ndërsa nga porositë më bashkëkohore Smith zgjedh portretin e Malalës nga Shirin Neshat , i cili ka qenë një tërheqje e madhe për vizitorët.

Dhe sigurisht, përtej të mëdhenjve dhe të mirëve, më të përulurit prej nesh kanë shansin të festohen çdo vit në BP Portrait Award, edhe pse aktualisht është në pritje derisa galeria është e mbyllur. “Është jashtëzakonisht popullor sepse njerëzit në atë shfaqje janë njerëz të zakonshëm. Mund të jetë motra juaj, vëllai juaj ose ndonjë model që keni zbuluar në rrugë dhe ju duket interesante,” thotë Smith.

“Është ajo shoqëri e qenieve njerëzore. Ndërsa në të kaluarën ishte me të vërtetë një shenjë e gradës, statusit apo famës, unë mendoj se tani portreti ka të bëjë më shumë me ekzistencializmin. Ka të bëjë me psikologjinë, kush janë ata dhe si përshtaten në shoqëri. Ka të bëjë me identitetin. ”, thotë Smith. Qoftë perandor, aktor, aktivist apo person i zakonshëm në rrugë, kjo është diçka që ne të gjithë e ndajmë – dhe shpjegon pse portreti nuk do të pushojë kurrë së tërhequri vëmendjen tonë.

Nëse dëshironi të komentoni këtë histori ose ndonjë gjë tjetër që keni parë në BBC Culture, drejtohuni në faqen tonë në  Facebook  ose na dërgoni mesazh në  Twitter .

Dhe nëse ju pëlqeu kjo histori,  regjistrohuni në buletinin javor të veçorive të bbc.com , të quajtur Lista Thelbësore. Një përzgjedhje e përzgjedhur e tregimeve nga BBC Future, Culture, Worklife dhe Travel, të dërguara në kutinë tuaj hyrëse çdo të premte.